Curatorial
A mostra Poison Eye parte de um repertório visual que marcou a infância de Julia Dalcastagné: cartoons, animes super-heróis, gibis e desenhos animados. Não se trata de apropriação ou aceno nostálgico, mas da incorporação crítica de um vocabulário imagético que, ao ser reconfigurado pela artista, revela uma atração consciente pela justaposição entre o sombrio e o colorido, o caricatural e o psíquico, o lúdico e o inquietante. É a partir desse léxico, comum a uma geração e revisto sob outro grau de consciência, que Júlia estrutura suas imagens.
Poison Eye não pretende suavizar, nem organizar o campo interpretativo para o espectador. A mostra apresenta um conjunto de obras que tensiona diretamente o pacto de inocência visual. O que se propõe não é descrever a artista nem limitar sua linguagem em categorias. É sustentar o trabalho como campo autônomo, onde a imagem pensa, colide e impõe.
O nome da exposição nomeia uma entidade fictícia criada por Júlia: um olho que intoxica. Um olhar que, em vez de registrar, compromete. O Poison Eye enxerga para além do decoroso e devolve imagens atravessadas por lucidez. Não há ingenuidade em suas figuras. Há rigor formal e deslocamento contínuo, não apenas de temas, mas de expectativas. A composição é clara, mas o que se revela nunca é inocente. Apesar do olhar venenoso, os personagens são lúdicos e impactam pela construção visualmente bem resolvida.
Se há infância, ela é ambígua. Se há ternura, ela é desconfiada. As obras desconstroem o pensamento. Cada fragmento se estrutura como uma fresta, onde o gesto pictórico opera entre denúncia e invenção. Não há discurso panfletário. Há escolha de linguagem. E é exatamente por isso que o desconforto que emana da pintura não é um subproduto, mas parte da arquitetura do trabalho.
A mostra não busca oferecer mediação interpretativa. O que propõe é a suspensão do automatismo perceptivo. Propõe um confronto com a imagem enquanto campo ético e estético. A curadoria não interpreta, não traduz, não organiza sentidos. Ela sustenta o espaço e remove os excessos, para que a linguagem da artista atue com a força que tem.
Julia Dalcastagné
Julia Dalcastagné, nascida em Florianópolis, construiu uma rica trajetória artística marcada por influências culturais diversas. Iniciou-se na música ainda jovem e, posteriormente, explorou artes visuais na escola e na faculdade. Uma imersão cultural em Londres despertou sua paixão pelo realismo, enquanto sua passagem por Milão a especializou em quadrinhos e ilustração. Hoje, Julia mistura realismo e caricatura em suas obras, exibidas em exposições internacionais, consolidando-se como uma artista em constante evolução. A artista combina música, livros e filmes como inspiração para explorar emoções humanas em suas obras. Seu estilo destaca contornos expressivos, paletas vibrantes e rostos semi-realistas, com foco nos olhos. Suas criações equilibram realidade e ilustração, provocando reflexão crítica e autoconhecimento, conectando arte e humanidade de forma sensível e instigante.
Obras
Sixty Years On
Óleo sobre tela
60 x 80 cm
2023
R$6.700,00
A criação desta obra surgiu de uma reflexão nostálgica sobre a passagem do tempo. Com o desenvolvimento desse pensamento, surgiu a ideia de que muitas pessoas se iluminam ao falar de memórias passadas, especialmente da infância. Por isso, na composição, os olhos do personagem não têm brilho, apesar das cores vibrantes; a fonte de luz está na lâmpada, representada como vagalumes, simbolizando as lembranças. Em outras palavras, é como se a pessoa transferisse todo o seu brilho para as lâmpadas, canalizando sua vida para suas memórias. Nós somos nossas memórias e, a longo prazo, é isso que nos resta para encontrar tranquilidade. Por isso, o olhar parece sem vida, mas sereno, e não triste.
Obra exposta no Salão Internacional de Arte Contemporânea da Bélgica em novembro de 2024.
Obra não disponível para venda.
O conceito desta obra é a reconexão com algo que esteve perdido ao longo do tempo, como um reencontro encantador ou um retorno às origens de maneira natural e fluida, tal como o vento. Não disponível para venda.
Obra exposta no Salão Internacional de Arte Contemporânea da Bélgica em novembro de 2024.
Colors of the wind
Óleo sobre tela
50 x 70 cm
2020
Vulnerable Adult
Óleo sobre tela
50 x 50 cm
2023
R$6.200,00
Esta obra de arte foi criada a partir de uma reflexão sobre o termo médico "adulto vulnerável". Embora se refira a uma condição, alguns sintomas se assemelham a um tipo de pessoa que se apega à infância e se recusa a deixar para trás vários elementos dessa época. Nesta peça, o foco não está na doença em si, mas nas pessoas percebidas como infantis e imaturas por estarem fora do padrão, mantendo aspectos e hábitos infantis. A obra também possui uma conexão humorística com "O Retrato de Dorian Gray", de Oscar Wilde, ilustrando como é ser um adulto vulnerável na sociedade e a sensação de ser observado e exposto aos outros.
Obra exposta no Salão Internacional de Arte Contemporânea da Bélgica em novembro de 2024.
Problem Child
Óleo sobre Tela
70 x 50 cm
2021
R$6.900,00
Esta obra investiga a maldade latente que pode habitar algumas crianças, um traço que muitos pais se recusam a enxergar. Também aborda as dinâmicas entre irmãos, que muitas vezes acabam arcando com as consequências desse comportamento ignorado.
Na cena, a mãe desvia o olhar, recusando-se a encarar o bebê de feições sombrias, enquanto a criança mais velha a observa com desconfiança, julgamento e uma esperança quase extinta. Esse olhar “entorpecido” revela uma perda precoce da inocência, fruto de crescer em um ambiente onde o silêncio encobre o desconforto.
Ao fundo, o cenário reflete a visão romantizada da maternidade, um véu ilusório que a mãe escolhe manter, mesmo diante do desequilíbrio evidente.
A obra evoca a sensação de um sonho confuso, onde tudo emerge do inconsciente. Os olhos, embora abertos, estão cegos, voltados para dentro, imersos em um mundo interno. Há algo de mágico nessa imersão, mas nem sempre ela é confortável. A beleza onírica se mistura à inquietação, revelando que nem todo mergulho no subconsciente oferece paz.
Sleeping with the Fishes
Óleo sobre Tela
60 x 50 cm
2020
R$7.100,00
O conceito desta obra nasceu de um pensamento humorístico e sarcástico sobre a influência silenciosa da projeção de felicidade idealizada nos estilos de vida das pessoas. Essa influência atua quase como um "parasita social": infiltra-se de forma sutil, mas poderosa, moldando comportamentos e desejos.
As pessoas consomem essas narrativas como se fossem verdades absolutas quando, na verdade, são fantasias cuidadosamente embaladas. Na ânsia de alcançar essa suposta felicidade, muitos deixam de pensar por si mesmos e passam a viver em função da imitação, reproduzindo modelos alheios sem questionar se aquilo realmente faz sentido para suas próprias vidas.
Parasite Lady
Óleo sobre Tela
80 x 50 cm
2021
R$6.100,00
Silence of the Lambs
Óleo sobre tela e massa acrílica
60 x 80 cm
2022
R$7.800,00
Esta obra aborda o engano, a manipulação e as consequências silenciosamente suportadas por quem escolhe não ver a verdade, mesmo quando ela está à vista. Ao mesmo tempo, propõe uma reflexão sarcástica sobre quem, afinal, é o verdadeiro "cordeiro": o lobo disfarçado ou a vítima passiva, que se deixa abater em silêncio?
Ao fundo, um pássaro observa tudo. Ele vê, mas não age. Camuflado como parte da árvore, torna-se cúmplice pela omissão, permitindo que a cena se desenrole até o limite. A obra questiona não apenas quem engana ou quem é enganado, mas também quem se cala diante do que vê.
Este quadro surgiu de reflexões sobre o futebol como um espelho da natureza humana, não apenas dos jogadores, mas também dos torcedores. Por sua simplicidade, o esporte permite que a criatividade floresça e revela, através das escolhas em campo, aspectos profundos da personalidade, da índole e dos instintos dos envolvidos.
Da mesma forma, a forma como os torcedores escolhem e valorizam seus ídolos diz muito sobre sua própria natureza e prioridades, seja talento, ética, carisma ou comportamento. Assim, o futebol transcende o jogo e se torna um campo de observação da condição humana.
Of Love and Shadows
Óleo sobre tela e massa acrílica
70 x 40 cm
2023
R$6.900,00
Road of Resistance
Óleo sobre Tela e massa acrílica
80 x 70 cm
2024
R$7.400,00
Este quadro nasceu de reflexões sobre as fundações da paciência, um estado que varia enormemente de pessoa para pessoa e, muitas vezes, se esgota até diante daquilo que consideraríamos “divino” ou belo. Assim, a obra propõe a ideia de que até o que é sublime pode nos tirar do sério.
As cores, ora vibrantes, ora sombrias, representam a dualidade entre a beleza presente na normalidade e o caos emocional provocado pela perda de paciência. O olhar da figura, distante e introspectivo, marca o exato momento em que a paciência se rompe, sem ainda revelar as consequências desse rompimento.
Já os pássaros, de aparência fantasiosa, fundem-se ao cenário realista, criando uma atmosfera de confusão e ambiguidade, como se a mente oscilasse entre fantasia e realidade, tentando compreender o colapso interno.
Heavens Divide
Óleo sobre Tela e massa acrílica
80 x 100 cm
2023
R$8.100,00
Esta obra reflete sobre os limites entre o autorrespeito, o orgulho e o afeto por pessoas que amamos, especialmente quando essas mesmas pessoas nos surpreendem de forma dolorosa. Esse choque fere, desestabiliza, e pode abalar profundamente o equilíbrio emocional, criando um peso interno que nos impede de “voar” com leveza.
É um retrato silencioso da luta entre manter-se fiel a si mesmo e, ao mesmo tempo, lidar com a decepção causada por quem julgávamos ser abrigo.
Wings of the Storm
Óleo sobre Tela e massa acrílica
60 x 80 cm
2023
R$8.400,00
Este quadro trata de uma decepção profunda, daquelas capazes de arrancar, de forma brutal, a leveza e a alegria de alguém. Aqui, essas perdas se materializam nas asas cortadas. Quando isso acontece, parece que outras pessoas igualmente infelizes percebem a fragilidade e tentam afundar ainda mais quem já está ferido.
Apesar disso, a tristeza carrega uma estranha beleza: ela atrai, seduz, antes de se tornar definitiva e, como tantas outras, perder a singularidade. O sangue derramado simboliza o valor da leveza e da alegria, tesouros que, muitas vezes, só reconhecemos quando são tirados de nós.
As penas que voam no ar trazem um toque de crueldade estética, mas também sussurram esperança. Há uma crença delicada na magia do tempo, de que talvez, um dia, tudo possa ser revertido.
The Hydra
Óleo sobre tela e massa acrílica
60 x 80 cm
2024
R$9.100,00
Esta obra reflete o ciclo vicioso de certos relacionamentos próximos e a confusão emocional que geram. O fundo em cores intensas expressa uma agonia passional, sufocante, mas que não leva à ruptura.
A figura central, com as mãos na terra, cria uma ambiguidade: estaria se intoxicando ou contaminando o solo? Essa dúvida é reforçada por elementos ao redor.
À esquerda, uma personagem simboliza as palavras trocadas, que podem virar fantasmas em forma de raposas inteligentes e familiares, mas traiçoeiros. As caveiras representam frustrações acumuladas, cada uma com sua própria identidade. O sorriso ambíguo da figura central sugere dúvida entre estar feliz no ciclo ou apenas sobreviver. A asa na máscara indica que a saída, embora frágil, é possível.
In Utero
Óleo sobre tela e massa acrílica
60 x 40 cm
2024
R$6.700,00
Este quadro reflete sobre a maternidade, questionando se ela é realmente para todos, além do que impõem o relógio biológico e a sociedade. A obra questiona a “magia” da maternidade como uma ilusão emocional e o papel do impulso hormonal nessa decisão.
Dois rostos flutuantes representam o relógio biológico e a falta de consciência que ele pode causar. A jovem com uma cabeça artificial simboliza a ideia da maternidade plantada desde cedo, enquanto o bebê com outro bebê remete às características femininas. A figura de cabelo rosa, com lágrima e olhar distante, expressa a solidão e as incertezas do futuro.
As luzes no quadro criam um misticismo que mostra que, apesar das dúvidas, a fantasia da maternidade permanece viva.
Apesar de seu jeito alto-astral, Harley Quinn é uma personagem marcada por uma carga emocional profunda e elementos bastante sombrios, mesmo com os esforços dos criadores, ao longo do tempo, para transformá-la em um símbolo de empoderamento.
Harley Quinn é um personagem do universo da DC Comics, conhecido por seu visual marcante, personalidade caótica e relação com o Coringa. Ele surgiu originalmente na série animada Batman: The Animated Series em 1992, criada por Paul Dini e Bruce Timm, e fez tanto sucesso que foi incorporada aos quadrinhos oficiais da DC.
Obra não disponível para venda.
Poor Harley
Óleo sobre tela e massa acrílica
50 x 40 cm
2024
O Mentiroso e suas Abelhas Híbridas
Óleo sobre tela
60 x 50 cm
2025
R$6.100,00
Este quadro foi inspirado por uma fala de Ariano Suassuna, que exaltava a criatividade quase mágica de certos mentirosos. Ele contava sobre um homem que dizia trabalhar com “abelhas híbridas”, mistura de abelhas com vaga-lumes, que trabalhavam dia e noite. Essa mentira tão inventiva me encantou e despertou o desejo de retratar essa magia.
Na obra, o mentiroso aparece com uma "cara de madeira" e nariz de Pinóquio, simbolizando sua desfaçatez. Dele emanam os clarões ao fundo, representando o fascínio de quem, mesmo sabendo que é mentira, escolhe acreditar pela beleza da invenção. A obra celebra esse impulso criativo, quase infantil, de embarcar na fantasia, como num truque de mágica que preferimos não desvendar.
Dovunque Al Mondo
Óleo sobre tela e massa acrílica
120 x 100 cm
2025
R$16.700,00
Esta obra reflete sobre a busca pela individualidade dentro da família. Muitas vezes, um membro familiar se parece tanto com outro, especialmente pai ou mãe, que acaba sendo pressionado a seguir o mesmo caminho, dificultando o processo de construção de uma identidade própria. A expectativa dos outros pode tornar qualquer desvio desse modelo visto como inadequado.
A imagem central traz um corpo com duas cabeças e flores distintas, representando duas personalidades diferentes: uma mais firme e combativa, outra delicada e tradicional. As folhas em forma de lanterna, em número equilibrado, simbolizam a possibilidade de coexistência entre as duas. As velas mostram que, mesmo no mesmo corpo, cada um tem sua própria luz, e o leão representa a força necessária para afirmar essa individualidade.
Esta obra reflete sobre o poder da criatividade e a magia de conseguir torná-la concreta. Inspirada no meu próprio processo criativo, ela representa como, muitas vezes, é difícil explicar de onde vêm as ideias e como se chega ao resultado final.
As imagens no vidro têm um tom surreal, ilustrando essa natureza enigmática da criação. A menina segura um pano mágico que sai de dentro do vidro — símbolo do uso consciente da criatividade sem perder o contato com a realidade. Seus olhos abertos mostram que, diferente do sonho, a criatividade pode ser canalizada e está sob certo controle, por isso está contida no vidro.
Revelations
Óleo sobre tela e massa acrílica
100 x 80 cm
2024
R$11.000,00
Planet Caravan
Óleo sobre tela e massa acrílica
80 x 60 cm
2025
R$7.900,00
A obra reflete sobre o “Poison Eye”, uma visão tóxica que contamina quem a presencia. Flores com olhos soltam bolhas venenosas que nascem do coração e dos sentimentos, atingindo os espectadores, que vivem na cumplicidade desse olhar.
A máscara simboliza as múltiplas faces das reflexões, capazes de enganar e mudar conforme as situações, representadas por uma tenda de circo e rosas, elementos que trazem a ideia de teatralidade, beleza e sombra. A tenda oculta o que será revelado, reforçando essa dualidade.
A silhueta preta personifica essa visão, sem rosto definido, aberta a interpretações. O fundo claro representa o mundo que segue otimista, mas gera desconforto diante dos elementos principais.
Barbarian
Óleo sobre tela, massa acrílica e folhas de ouro
80 x 60 cm
2025
R$7.100,00
“Barbarian” é um quadro que explora a antipatia e suas consequências. Muitas vezes, a antipatia faz com que as pessoas confundam as impressões e vejam alguém como “feio”, independentemente da sua real beleza.
Nesse quadro, a antipatia é representada pela máscara feia que a moça segura. Apesar de seus traços bonitos, seu rosto neutro não transmite simpatia, fazendo com que para alguns ela pareça sempre usar essa máscara invisível.
Há também uma aura negativa indefinida ao redor dela um sentimento difícil de explicar, mas poderoso e invisível, que simboliza o impacto da antipatia.
O cenário em mármore branco, com detalhes dourados, foi escolhido por sua beleza e classe, mas sua frieza traz neutralidade, sem transmitir acolhimento à imagem central.
A Lição de Pata Vilma (não disponível para venda)
Tinta acrílica líquida e nanquim sobre papel
21cm x 29,7cm
2013
Essa é uma história escrita por Luiz Carlos Zambroni, que tive o prazer de ser convidada a ilustrar. Apesar das cores escolhidas serem vibrantes, elas não foram pensadas com um intuito acolhedor, pelo contrário, buscavam provocar certa tensão, em sintonia com os elementos da narrativa.
Embora seja uma história infantil, a proposta visual não era infantilizar os personagens, mas sim estilizá-los de forma que a história pudesse ser levada a sério. Lembro de um professor da faculdade que disse algo que ficou marcado em mim: “Se você cria ilustrações para crianças pensando apenas no que é infantil, o senso crítico artístico delas dificilmente se desenvolve.” Levei essa reflexão em consideração ao criar o universo visual dessa obra.
Evitei também cores convencionais, como o céu azul ou a grama verde porque esses padrões, que nos são ensinados desde cedo, tendem a limitar a imaginação. Ao romper com essas convenções, a imagem pode se tornar mais impactante, a ponto de despertar questionamentos como: “Então, se eu quiser, posso pintar a grama de azul?”
O Gato Preto (não disponível para venda)
Tinta acrílica líquida e nanquim sobre papel
21cm x 29,7cm
2013
Essa história em quadrinhos é uma adaptação com humor negro que criei a partir do conto de Edgar Allan Poe. Em vez de representar o clássico gato preto, optei por retratar uma criança vestida com uma fantasia de gato preto, uma escolha que, para mim, adiciona uma camada extra de estranheza e provoca reflexão.
Como a narrativa original já carrega um tom sombrio, busquei uma estética visual mais agressiva, com traços marcantes, paleta escura e o uso de um vermelho intenso para acentuar o desconforto e a tensão presentes na história.
Leather Jacket (não disponível para venda)
Tinta acrílica líquida e nanquim sobre papel
21cm x 29,7cm
2013
Essa foi uma série de histórias curtas que criei, inspiradas nas minhas experiências na faculdade. As narrativas abordam, com humor ácido e uma estética agressiva, os diferentes tipos de pessoas que encontramos nesse ambiente, as inseguranças que surgem, situações inusitadas, amizades e outras vivências marcantes.
A ideia era transformar o cotidiano universitário em cenas exageradas e cômicas, mas que ao mesmo tempo provocassem identificação e reflexão.
Captain Cupcake (não disponível para venda)
Tinta acrílica líquida e nanquim sobre papel
21cm x 29,7cm
2013
Essa série de curtas histórias em quadrinhos foi escrita e ilustrada por mim. O personagem principal, Captain Cupcake, era originalmente apenas um funcionário de uma loja de cupcakes. Tudo começa quando ele, acidentalmente, salva alguém ao entregar um cupcake, um gesto simples que acaba sendo interpretado como heroico.
A partir daí, a narrativa se desenvolve de forma pitoresca: ele é aclamado como herói, mas sem entender exatamente por quê. Acreditando que distribuir cupcakes é sua missão heroica, ele repete o gesto com outra pessoa, e dessa vez, tudo dá errado. O ato resulta em caos, e, em algumas versões, até na morte do outro personagem.
A proposta da série é provocar uma reflexão: ajudar alguém exige mais do que boas intenções. É importante compreender o contexto, conhecer a situação e, principalmente, entender quem se quer ajudar. Às vezes, achamos que estamos fazendo o bem, mas, por falta de sensibilidade ou conhecimento, acabamos atrapalhando, ou até agravando o problema. Saber quando e como ajudar é essencial.
Dark Wings Aviator
Arte Digital
2019
Obra não disponível para venda.